Ce ne sono davvero di geniali: minimalisti, grunge e un po’ retrò.
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Rappresentazioni visive tra cinema e design ›

Il 24 gennaio alle 14:30 ora italiana, sono state rese note le nominations agli 84 Academy Awards, ovvero gli Oscar, la cui cerimonia di premiazione si terrà il 26 febbraio prossimo.
Per la prima volta la sottoscritta prova a cimentarsi con qualche riflessione e previsione in merito, rigorosamente dettate dal suo status di appassionata e limitandosi, ovviamente, alle categorie principali.

Miglior attrice non protagonista

• Berenice Bejo (The Artist)
• Jessica Chastain (The Help)
• Melissa McCarthy (Le amiche della sposa)
• Janet McTeer (Albert Nobbs)
• Octavia Spencer (The Help)

La lotta dovrebbe essere tra le due appartenenti al cast di “The Help”, a quanto pare superbo film al femminile lodato da critica e pubblico, che la sottoscritta dovrà recuperare prestissimo, tallonate dalla Berenice Bejo di “The Artist” che potrebbe essere l’asso pigliatutto di questa edizione degli Oscar.

Miglior attore non protagonista

• Christopher Plummer (Beginners)
• Kenneth Branagh (My Week With Marilyn)
• Nick Nolte (Warrior)
• Jonah Hill (L’arte di vincere – Moneyball)
• Max Von Sydow (Molto forte, incredibilmente vicino)

Il mio cuore è per Max Von Sydow, non tanto per il film di cui fa parte, che, visto il capolavoro letterario da cui è tratto, potrebbe essere una delle più grosse delusioni della storia del cinema, ma perchè è Max Von Sydow, punto e basta.

Miglior attrice protagonista

• Glenn Close (Albert Nobbs)
• Viola Davis (The Help)
• Rooney Mara (Millennium: Uomini che odiano le donne)
• Meryl Streep (The Iron Lady)
• Michelle Williams (My Week With Marilyn)

Se confermati i Globes, la lotta dovrebbe essere tra Meryl Streep e Michelle Williams. Ma, considerati gli elogi e le lodi, tra loro potrebbe insidiarsi la Viola Davis di The Help. Se ci trovassimo di fronte ad una Academy in vena di clamorose sorprese, potrebbe trionfare la Rooney Mara di “Millenium”, ma si tratterebbe di un mezzo miracolo.

Miglior attore protagonista

• George Clooney (Paradiso amaro)
• Brad Pitt (L’arte di vincere – Moneyball)
• Jean Dujardin (The Artist)
• Demian Bichir (A Better Life)
• Gary Oldman (La talpa)

Qui dovrebbe vincere Clooney. “Paradiso amaro” sa tanto di pellicola confezionatagli addosso per fargli agguantare il tanto agognato Oscar per migliore attore protagonista (ne ha già vinto uno come non protagonista per “Syriana”). Potrebbe rovinargli la festa il Jean Dujardin di “The Artist”.

Miglior regista

• Woody Allen (Midnight in Paris)
• Michel Hazanavicius (The Artist)
• Alexander Payne (Paradiso amaro)
• Martin Scorsese (Hugo Cabret)
• Terrence Malick (The Tree of Life)

Il cuore direbbe l’amato Woody, che, sappiatelo, non vincerà MAI. La lotta è tra l’Alexander Payne di “Paradiso Amaro”, il Martin Scorsese di “Hugo Cabret” vincitore del Golden Globe, che pertanto si porterà probabilmente a casa anche l’Oscar e il Michel Hazanavicius di “The Artist”.

Miglior film

• L’arte di vincere
• Midnight in Paris
• The Help
• The Tree of Life
• Molto forte, incredibilmente vicino
• Paradiso amaro
• Hugo Cabret
• War Horse
• The Artist

Anche qui poche probabilità per “Midnight in Paris”. Il vincitore dovrebbe essere quasi sicuramente “The Artist”, ma se si decidesse di premiare Scorsese, la tradizione secondo cui il premio per la miglior regia si porta a casa anche quello per il miglior film vedrebbe trionfare “Hugo Cabret”. La sorpresa potrebbe essere “The Help”.

Spiace, ovviamente, constatare anche per il 2012 l’esclusione dell’Italia dalla categoria “miglior film straniero.”. Il premio dovrebbe andare all’acclamato “Una separazione“.

La trasposizione cinematografica di un (buon) libro è una impresa non facile. Non si capisce come mai, ma molte volte il risultato non è all’altezza delle aspettative del lettore che, durante il viaggio che si compie immergendosi nella lettura di un romanzo, si era già creato una sorta di “proprio film” raramente uguale a quello rappresentato sul grande schermo.
Anche se in molti la pensano diversamente, è un film che ha acceso tra gli appassionati un forte dibattito, personalmente ritengo non sia sfuggito all’inciampo nemmeno l’amatissimo Almodovar con il suo ultimo “La pelle che abito” tratto da “Tarantola” di Jonquet.

Pur mantenendo intatta l’ossatura del libro, Almodovar fa alcuni cambiamenti fondamentali nel rapporto tra Robert (nel libro Richard) e la sua creatura Vera (nel libro Eve), amplia la vicenda della morte della moglie aggiungendo un paio di personaggi ed una storia di maternità nascosta che non influiscono più di tanto nella vicenda, e soprattutto stravolge completamente il finale.
Ne scaturisce un’opera formalmente impeccabile, si vedano gli interni della villa di Ledgard, ma fredda come il ghiaccio.
La dimensione quasi onirica del libro è perduta, il confine tra vendetta con Richard che umilia Eve facendola prostituire, e desiderio sparito.
Almodovar è un grande grandissimo regista, passionale ed emozionante.
E ne La pelle che abito mancano, a mio parere mancano proprio la passione e l’emozione che suscitano altre sue grandissime opere come Tutto su mia madre o Parla con lei.
Qui siamo di fronte ad una sorta di “Frankestein” moderno, elegante, raffinato, quasi chirurgico nella sua perfezione realizzativa, ma in alcuni momenti, l’entrata in scena del figlio della domestica, francamente sconcertante.
Il finale, specialmente se confrontato con quello del libro, lascia parecchio basiti.
Antonio Banderas è bravo a tratteggiare la progressiva pazzia di Robert come non lo era da molto tempo, ma lui da solo non basta a salvare il film. Elena Anaya è bella, bellissima, ma ancora lontana dal carisma di altre chicas di Almodovar come Cecilia Roth, meravigliosa in “Tutto su mia madre”, Penelope Cruz o Victoria Abril.
Peccato.

Dopo il planetario successo della prima avventura, ecco pronto il secondo capitolo della saga del grande investigatore firmata Guy Ritchie. Questo secondo Holmes è sotto diversi aspetti, decisamente migliore del primo. La trama è più sfaccettata. In “Gioco di ombre” assistiamo ad un complotto internazionale in cui compaiono diversi strepitosi personaggi, su tutti l’altrettanto geniale fratello di Sherlock, Mycroft, e che fa da sfondo a quello che sembra essere soltanto il primo scontro tra Holmes ed il professor Moriarty; una partita a scacchi tra il grande genio investigativo e la sua nemesi, in cui Holmes trova finalmente un degno avversario capace di metterlo anche in difficoltà. Ad una vicenda più complessa corrisponde un aumento degli scenari dove la vicenda è ambientata.

Se nel primo film a farla da padrona era una suggestiva Londra, qui i nostri spaziano da una Parigi fine’800 (ben) ricostruita, alla Svizzera passando per la Germania, in un susseguirsi di momenti spettacolari davvero ben girati.

Ma ciò che funziona sempre meglio sono i due protagonisti.

Downey Jr. e Law se la intendono a meraviglia, e si vede benissimo. Quello tra i due è un meccanismo ben oliato, degno delle migliori coppie comiche hollywoodiane; i loro duetti sono momenti di raffinato spasso, il cui punto più alto viene toccato dalla sequenza in treno, teatro di quella che sarebbe dovuta essere la luna di miele del povero, ma quanto meno finalmente maritato, Watson.
Se i due interpreti principali fanno scintille, anche gli altri attori non sono da meno.
Jared Harris, che pare abbia sconfitto colleghi più blasonati del calibro di Brad Pitt, è un Moriarty glaciale e privo di qualunque senso morale, mentre il grande Stephen Fry è perfetto nei panni dello strampalato e molto molto british Mycroft. Bene anche le signore, la brava Noomi Rapace nei panni della zingara Sim e Kelly Reilly in quelli di Mary, simpatica signora Watson.
Puro svago ma di altissimo livello questa volta, con un finale pronto per un eventuale, e probabile visti gli incassi, terzo capitolo che speriamo dia una degna conclusione alle avventure del grande investigatore.

Bentornato Woody!

Dopo un periodo costellato di film non esaltanti, quando non decisamente sbagliati, Allen ritorna ai fasti del passato deliziandoci con questo piccolo, adorabile gioiellino.

“Non riesco a decidermi se Parigi sia più bella di giorno o di notte”.

Probabilmente nemmeno il regista, semplicemente ce la mostra in modo sublime, accompagnandoci nei suoi luoghi più suggestivi e donandoci, così il suo atto d’amore dal sapore vagamente felliniano per questa splendida città.

La storia di Gil (Owen Wilson) “manovalanza hollywoodiana” che a Parigi con l’insopportabile fidanzata (Rachel McAdams) cerca l’ispirazione per migliorare il suo libro, ma forse soprattutto la sua stessa vita, e che durante questa ricerca si ritrova magicamente trasportato negli artisticamente floridi anni ’20, è una fiaba elegantemente sospesa tra due epoche, raffinata e meravigliosamente scritta, che non conosce un solo momento di noia.

Applausi ai protagonisti. Tutti.

Accanto ad uno stupefacente Owen Wilson, troviamo una serie di attori, preferenza personale e puramente indicativa per il laconico Hemingway di Corey Stoll e soprattutto per lo strepitoso Salvador Dalì di Adrien Brody, bravissimi nel rappresentare queste figure leggendarie come persone vere, reali, con qualche debolezza (Picasso innamorato) e non come i miti che la storia ci ha tramandato.

E poi c’è lei.

Marion Cotillard, sorprendente nel ruolo di Adriana, bellissima, inquieta e convinta, come Gil, di vivere nell’epoca sbagliata.

I dialoghi tra lei e Owen Wilson, romantici e malinconici, sono tra le cose migliori del film.

Cinema di emozioni quindi, che fa bene all’anima di cui si sente sempre più il bisogno.

Perchè ci fa uscire dalla sala più leggeri, convinti che si può vivere bene anche nel presente e che non importa “se ci si bagna un pò”, perchè “Parigi è davvero più bella quando piove”.

Per cominciare nel migliore dei modi il nuovo anno ho rivisto Onora il padre e la madre, l’ultimo film di Sidney Lumet che, prima di staccare definitivamente la spina della macchina da presa (il regista è morto nel 2011), ha pensato di farci dare una sbirciatina a un inferno urbano di inizio millennio.

Il titolo originale (Before the devil knows you’re dead) fa riferimento a un detto irlandese che suggerisce a chi è appena morto di arrivare in paradiso un po’ prima che il diavolo si accorga della dipartita, per evitare che la destinazione ultraterrena sia orientata a una destinazione diversa. Nessuno è innocente e il diavolo, pur non essendo granché con i coperchi, è un ottimo contabile.
Onora il padre e la madre è un film sulla crisi: affettiva, familiare, economica; e sul fallimento: etico, genitoriale, sociale.

Non ci sono giochi di destrezza visivi in questo lungometraggio e in generale il cinema di Lumet non è mai stato ostaggio di talentuosi direttori della fotografia, o di montatori dalla mano lesta, che disinnescano il contenuto affogandolo in una melassa di virtuosismo fine a se stesso. Qui Tarantino è lontano anni luce.
Semmai si potrebbe definirlo un ottimo film televisivo, ma attenzione: si tratta di un modello di televisione a cui non siamo più abituati, una televisione che, più del cinema, avrebbe potuto essere specchio e testimonianza del reale.

L’inizio del film è secco, brutale: due che scopano.
Un uomo e una donna.
Uno specchio accanto al letto, in una stanza anonima.
Mentre prende la donna da dietro l’uomo fissa lo specchio; il suo corpo non è attraente, le carni sono flaccide, lo sguardo intorpidito dal piacere gli conferisce un’espressione stolida.
Per tutta la durata dell’amplesso la sua attenzione è catturata dallo specchio: scruta la sua immagine, ne segue i movimenti con lo sguardo, si compiace del godimento della donna che giace sotto di lui.
Dopo l’orgasmo si scambiano qualche parola, lui si stupisce della passione che li ha inaspettatamente travolti nonostante siano ormai “una vecchia coppia sposata”. Dalle prime battute che i due si scambiano si apprende che sono lontani da casa, in vacanza, e che la passione di cui siamo stati spettatori era un artificio, una messa in scena generata dal fumo e dalla distanza che li separa dalla vita di tutti i giorni. Un tentativo forzato, l’ultimo, prima del collasso.
Questo è il prologo, ed è l’unico momento in cui l’uomo, il cui nome è Andy, ha il controllo di quello che gli accade (anche se, come abbiamo inteso, è un controllo fittizio, un’illusione generata da droga e lontananza, un miraggio destinato a rimanere confinato dentro la cornice di uno specchio).

Il film vero e proprio comincia dalla scena successiva, oltre lo specchio, e da quel momento l’illusione di completezza, di corrispondenza tra pulsioni e azione, di armonia tra “io” e mondo esterno, di linearità tra causa ed effetto percepita attraverso la semplice realtà dell’atto sessuale, viene meno.
Tutto quello che vediamo accadere nelle due ore successive giace su un piano diverso rispetto a quello abitato dai protagonisti, ed è a loro inaccessibile: lo specchio visto all’inizio si è definitivamente infranto, nessuno riuscirà più ad abbracciare con lo sguardo l’intero orizzonte in cui la vita è racchiusa. Estranei a se stessi e separati gli uni dagli altri, gli unici barlumi di lucidità che lasciano intravedere la realtà morale che sottende la loro vita esteriore spalancano porte sull’orrore. La volontà frammentata di Andy e del fratello minore, ma anche degli altri personaggi, non produce altro che schegge di eventi dalle conseguenze imprevedibili e fatali. In questo contesto, gli improvvisi salti temporali della narrazione, annunciati da fermi immagine che vibrano e si dissolvono nella scena successiva, non costituiscono tanto una scelta formale, quanto un modo per sottolineare l’assoluta deriva in cui versano le vittime-carnefici rappresentate in questo film. L’America è avanti rispetto a noi, sulla strada che conduce al disastro.
Buon anno.

Titolo originale: The Ides of March
USA 2011, 98 min
Regia: George Clooney
Soggetto: Beau Willimon
Sceneggiatura: George Clooney, Grant Heslov
Produttore: George Clooney, Grant Heslov, Brian Oliver
Fotografia: Phedon Papamichael
Montaggio: Stephen Mirrione
Musiche: Alexandre Desplat
Scenografia: Sharon Seymour
Costumi: Louise Frogley

Interpreti e personaggi: Ryan Gosling (Stephen Myers), George Clooney (governatore Mike Morris), Evan Rachel Wood (Molly Stearns), Marisa Tomei (Ida Horowicz), Paul Giamatti (Tom Duffy), Philip Seymour Hoffman (Paul Zara), Max Minghella (Ben Harpen), Jeffrey Wright (senatore Thompson), Jennifer Ehle (Cindy Morris)

il film inizia come un apologo dell’era Obama, tutto buone intenzioni e frasi fatte, per poi dipanarsi nei meandri di uno splendido thriller psicologico a metà tra il CANDIDATO di Michael Ritchie (1972) con Robert Redford e dell’eccellente L’AMARO SAPORE DEL POTERE di Franklin J. Schaffner (1964) con Henry Fonda e Cliff Robertson, se non addirittura con echi di TUTTI GLI UOMINI DEL PRESIDENTE di Alan J. Pakula sempre con Redford e Dustin Hoffman (soprattutto nella scena della resa dei conti tra Clooney e Gosling nel finale, molto simile come inquadrature agli incontri dei protagonisti con l’informatore Gola Profonda nel film di Pakula) quindi egregio proseguimento di quel cinema di impegno civile che aveva avuto in Sidney Lumet uno dei suoi principali interpreti, soprattutto nei magnifici anni ’70. Ognuno, in questo film che sarà sicuramente pluricandidato agli Oscar, non è quel sembra, tutti sono le pedine di tutti, senza rispetto per la dignità e la vita umana, come unico obiettivo il successo e il potere. Clooney fa un ulteriore passo avanti rispetto al suo già ottimo GOOD NIGHT AND GOOD LUCK ed è qui anche eccellente attore nei panni del candidato e viene circondato da tre geniali interpreti: Paul Giamatti, Philip Seymor Hoffman e Ryan Gosling oltre che da un’insinuante Marisa Tomei e da una sorprendente Evan Rachel Wood .

Questa premessa per introdurre un progetto che tenta di promuovere e far crescere il cinema indipendente; arriva dal web, ancora una volta fautore di processi di condivisione e democratizzazione. Il progetto Cineama è una piattaforma ancora in beta nata per creare, produrre e distribuire film indipendenti.

Il funzionamento è molto semplice e ben illustrato in questo video. Il principio è che il cinema può essere un progetto collettivo, in cui si uniscono idee e risorse: basta mettere a disposizione un luogo virtuale in cui farle incontrare.

Ma Cineama è più in generale una piattaforma dedicata a tutti gli amanti del cinema: agli appassionati, ai curiosi, a chi è sempre alla ricerca di novità e chicche e soprattutto ha dietro una community per lo sharing di informazioni, cuorisità, idee e progetti. Cineama contiene un vero e proprio social network composto di cineamatori, che possono essere registi, sceneggiatori, fotografi, costumisti, attori, montatori, ma anche semplici appassionati e amatori. Si tratta di un socialnetwork non generalista, con un target ben preciso: si ritrova qui chi ama, fa o studia cinema. Non solo, queste persone si ritrovano con finalità pragmatiche e definite. Un approccio molto diverso dal generalismo o dalla futilità di Facebook, su cui anche altri social networks, non sempre con buoni successi, hanno cercato di ritagliarsi la propria nicchia di mercato e che tuttavia offrono stimoli e opportunità agli utenti, che vanno al di là del sano o insano cazzeggio che offre Facebook. La presenza delle sezioni dedicate ai laboratori e ai progetti rafforza questa scelta fautrice di proattività, con la possibilità di decidere democraticamente quali proposte far crescere attraverso il crowdsourcing e il crowdfunding. Il sistema di selezione è infatti peer to peer: non si tratta di contest in cui è una giuria a scegliere, ma sono gli utenti stessi della rete a farlo. Questo processo di selezione non garantisce la meritocrazia; non è detto che siano i progetti migliori qualitativamente ad andare avanti, dal momento che chi li selazione non ha probabilmente le competenze che potrebbero essere invece garantite da una giuria selezionata. Sono però i progetti premiati dai protagonisti: autori e futuri spettatori. Non basta sicuramente Cineama a “liberalizzare” il mercato cinematografico, ma è un segno positivo che, come ormai sempre più frequentemente, ci giunge grazie al media oggi più democratico: il web ed è un aiuto concreto a tanti valenti autori che speriamo non debbano fare la fine che Federico Di Cicilia racconta in questo corto autoironico nato per promuovere l’iniziativa del film in croudfunding “A mio padre piaceva Rivera”

L’idea di Life in a Day è quella di testimoniare un’unica giornata sulla terra, grazie alla collaborazione di un esercito di registi improvvisati collocati in ogni parte del mondo. Ciascuno ha girato una piccola sequenza della propria giornata e l’ha poi caricata su You Tube senza montaggio, senza colonna sonora e senza nessun particolare supporto tecnologico.

Per sapere di più dell’organizzazione dell’esperimento potete leggere il post e l’intervista a Kevin McDonald ›

Il film ottenuto dall’enorme montaggio è stato presentato al Sundance Festival e al Festival di Berlino e dopo il passaggio al cinema è adesso visibile gratuitamente su You Tube.

Ecco dunque il risultato finale dell’esperimento!

Life in a Day: il film della regia di Kevin Mcdonald in collaborazione con migliaia di utenti di tutto il mondo

Sul canale di You Tube potete anche trovare tutti i filmati inviati, organizzati attraverso una simpatica visualizzazione che permette di vedere da dove provengono e sono anche catalogati per argomenti

Il globo dei filmati e le interviste ai protagonisti un anno dopo›

Da dove cominciare a parlare dell’ultimo film, Melancholia, di Lars Von Trier. Onestamente non lo so: mi viene in mente una raffica di aggettivi per descriverlo, ma non le parole per raccontarlo.

Di sicuro non parlerò né di Filosofia, né di Mito, né tanto meno scomoderò parallelismi più o meno aulici, come ho letto in diverse recensioni, di cui onestamente non ho capito nulla.

Del buon vecchio Lars – si fa per dire – ho visto diversi film; non mi sono fatta neppure intimidire da Idiots per capirci, eppure ogni volta rimango spiazzata. Cercare un filo logico o una consequenzialità narrativa è da evitare, meglio lasciarsi trascinare nel turbine di non sense, di angosce e fobie della mente di un lucido folle.

Presentato alla 64a edizione del Festival del Cinema di Cannes, Melancholia esce nelle sale con sei mesi di ritardo a causa delle dichiarazioni provocatoriamente filo-hitleriane che sono costate al controverso regista danese la cacciata dal Festival.

Se qualcuno non lo aveva ancora capito, Lars Von Trier è un folle, una personalità oscura e inquietante, invisa e volontariamente provocatoria, eppure è un genio. Ma tutto questo non deve bastare per lasciarsi intimidire, che è quello che il regista probabilmente ricerca e allora continuare a vedere i suoi film diventa quasi una sfida. Una sfida alle nostre imperturbabili coscienze, alla serenità e intimità che cerchiamo nella sala cinematografica.

Come nella tradizione di Von Trier, il film è organizzato per capitoli o per atti. Si parte con un prologo, che è pura poesia: una sequenza onirica che alterna immagini e il moto di corpi celesti, accompagnata del preludio al primo atto dell’opera Tristano e Isotta di Wagner.

I due atti raccontano l’antitesi delle personanilità di due sorelle in un unico spazio di azione (unità di luogo): Justine (Kirtsen Dunst) è irrazionale, emotivamente instabile, fuori dagli schemi, incurante delle formalitàche; nel primo capitolo festeggia il suo matrimonio e invece che essere all’apice della felicità, manifesta tutto il male di vivere. La sorella Claire (Charlotte Gainsbourg), protagonista del secondo episodio, è calma, controllata, razionale, cerca la sicurezza e la stabilità nell’organizzazione e nel controllo di quanto le sta intorno.

Il rapporto tra le due sorelle è conflittuale, ma al tempo stesso stretto e profondo. Un evento cataclismatico e imprevendibile, rovescerà le aspettative dello spettatore riguardo alle caratteristiche e ai comportamenti delle due protagoniste. Ma tranquilli, Von Trier non ha messo in scena un film catastrofista sull’onda delle previsione dei Maja. L’Apocalisse è un pretesto narrativo e uno spunto creativo eccezionale per realizzare un affresco che è una vera opera d’Arte. Abbandonato il Dogma, Von Trier ricerca un’estetica sublime e perfetta, che, accompagnata dalla sontuosità dell’opera wagneriana, è ciò che fa del film un vero capolavoro e il motivo per non perdere assolutamente questo film.

Per i razionalisti che non amano farsi trascinare nelle follie narrative di Von Trier, l’aspetto estetico rimane comunque un elemento di oggettiva qualità del film, che lo inserisce di diritto tra i Cult. Per chi fosse pronto a lasciare da parte la razionalità e segurie il genio folle troverà nel film ben di più…

Consigliatissimo

Invece del Trailer, che a mio parere non rende merito al film, vi lascio con questo video sugli effetti speciali, che mostra alcune scene topiche dell’opera di Von Trier

Melancholia, Special Effects