Da dove cominciare a parlare dell’ultimo film, Melancholia, di Lars Von Trier. Onestamente non lo so: mi viene in mente una raffica di aggettivi per descriverlo, ma non le parole per raccontarlo.

Di sicuro non parlerò né di Filosofia, né di Mito, né tanto meno scomoderò parallelismi più o meno aulici, come ho letto in diverse recensioni, di cui onestamente non ho capito nulla.

Del buon vecchio Lars – si fa per dire – ho visto diversi film; non mi sono fatta neppure intimidire da Idiots per capirci, eppure ogni volta rimango spiazzata. Cercare un filo logico o una consequenzialità narrativa è da evitare, meglio lasciarsi trascinare nel turbine di non sense, di angosce e fobie della mente di un lucido folle.

Presentato alla 64a edizione del Festival del Cinema di Cannes, Melancholia esce nelle sale con sei mesi di ritardo a causa delle dichiarazioni provocatoriamente filo-hitleriane che sono costate al controverso regista danese la cacciata dal Festival.

Se qualcuno non lo aveva ancora capito, Lars Von Trier è un folle, una personalità oscura e inquietante, invisa e volontariamente provocatoria, eppure è un genio. Ma tutto questo non deve bastare per lasciarsi intimidire, che è quello che il regista probabilmente ricerca e allora continuare a vedere i suoi film diventa quasi una sfida. Una sfida alle nostre imperturbabili coscienze, alla serenità e intimità che cerchiamo nella sala cinematografica.

Come nella tradizione di Von Trier, il film è organizzato per capitoli o per atti. Si parte con un prologo, che è pura poesia: una sequenza onirica che alterna immagini e il moto di corpi celesti, accompagnata del preludio al primo atto dell’opera Tristano e Isotta di Wagner.

I due atti raccontano l’antitesi delle personanilità di due sorelle in un unico spazio di azione (unità di luogo): Justine (Kirtsen Dunst) è irrazionale, emotivamente instabile, fuori dagli schemi, incurante delle formalitàche; nel primo capitolo festeggia il suo matrimonio e invece che essere all’apice della felicità, manifesta tutto il male di vivere. La sorella Claire (Charlotte Gainsbourg), protagonista del secondo episodio, è calma, controllata, razionale, cerca la sicurezza e la stabilità nell’organizzazione e nel controllo di quanto le sta intorno.

Il rapporto tra le due sorelle è conflittuale, ma al tempo stesso stretto e profondo. Un evento cataclismatico e imprevendibile, rovescerà le aspettative dello spettatore riguardo alle caratteristiche e ai comportamenti delle due protagoniste. Ma tranquilli, Von Trier non ha messo in scena un film catastrofista sull’onda delle previsione dei Maja. L’Apocalisse è un pretesto narrativo e uno spunto creativo eccezionale per realizzare un affresco che è una vera opera d’Arte. Abbandonato il Dogma, Von Trier ricerca un’estetica sublime e perfetta, che, accompagnata dalla sontuosità dell’opera wagneriana, è ciò che fa del film un vero capolavoro e il motivo per non perdere assolutamente questo film.

Per i razionalisti che non amano farsi trascinare nelle follie narrative di Von Trier, l’aspetto estetico rimane comunque un elemento di oggettiva qualità del film, che lo inserisce di diritto tra i Cult. Per chi fosse pronto a lasciare da parte la razionalità e segurie il genio folle troverà nel film ben di più…

Consigliatissimo

Invece del Trailer, che a mio parere non rende merito al film, vi lascio con questo video sugli effetti speciali, che mostra alcune scene topiche dell’opera di Von Trier

Melancholia, Special Effects

Torno dopo una lunga latitanza nella giornata del primo maggio con una chicca, una perla della storia del cinema, che ho visto qualche giorno fa. Una proiezione assolutamente speciale: Metropolis in versione restaurata, dopo l’ultimo ritrovamento dei 25 minuti mancanti ritrovati nel 2008 a Buenos Aires, accompagnato dall’Orchestra in sala: un’esperienza indimenticabile!

Metropolis è un film muto del regista tedesco Fritz Lang, girato tra il 1925 e il 1926. E’ un film di fanatscienza, il film di fantascienza, omaggiato da film come Blade Runner di Ridley Scott e Star Wars di George Lucas. Metropolis è una città del 2026, è la metafora della società futura in cui coesistono due mondi: quello dorato della superficie, dove vive una casta di privilegiati e quello sotteraneo dove vivono e lavorano gli operai, che tengono in funzione le macchine con durissimi turni di lavoro.

Un giorno Freder, il figlio del padrone di Metropolis, come Siddartha, vissuto sempre nel lusso e negli agi, scopre il mondo del dolore e delle privazioni degli operai e decide di cambiare le cose. Ma la vera eroina del film è una donna, Maria, guida carismatica nel mondo dei sotterranei, che incoraggia gli operai a resistere in attesa di un mediatore che fungerà da “cuore tra il cervello e la mano”. Il mediatore tanto atteso potrebbe essere proprio il giovane Freder, ma chiaramente la situazione si complica…

La complessità della trama è incredibile per un film muto degli anni ’20; una pellicola della durata di 2 ore e mezza che ti coinvolge dal primo all’ultimo minuto. In questo Fritz Lang era un maestro, come già avevo sottolineato nella recensione de Il Testamento del dottor Mabuse
La fantascienza si fonde in modo magistrale con le atmosfere surreali del Fantasy, le architetture (e i temi) di ispirazione futurista, amalgamate con caratteri di esotismo e scenografie trionfal-operistiche ne fanno un film espressionista di rara bellezza, anche visiva. Ho letto in una recensione che Metropolis rivela una consistenza prismatica che è il segreto della sua immortalità. L’ho trovata una frase davvero illuminante, che sintetizza benissimo il valore del film. Nel film si ritrovano metafore e richiami alla storia, alla religione, alla filosofia, ai miti, alla scienza, alla sociologia, all’esoterismo. Insomma un film magico, valorizzato dalla musica dell’orchestra di Padova e del Veneto, che ha trasformato una proiezione in un evento emozionante e coinvolgente per tutti i sensi.

Un film che per i temi trattati si adatta perfettamente a questa giornata del primo maggio, che consiglio vivissivamente a chi non avesse ancora avuto occasione di vederlo per annoverarlo non solo tra i cult movie, ma tra le esperienze da non dimenticare.

Se questa non è Blade Runner…

Tornando sul tema Cinema e design, che ho affrontato negli ultmi post, volevo segnalarvi il poster realizzato da un amico graphic designer, Matteo, e ispirato a 1984.

Vi ricordate la Neolingua? Una lingua estremamente semplificata (riducendo i sinonimi, i significati multipli, le sfumatire linguistiche) che, come spiega Orwell nell’appendice del suo libro, doveva limitare al minimo le possibilità di pensiero e quindi di opposizione al regime. Il poster si ispira a questo tema: le lettere contenute nelle parole “nineteen eighty-four” vengono sminuzzate, sezionate, mescolate, sovrapposte… e questo è il risultato.

Se volete sapere di più del lavoro di Matteo, scoprire quali altri manifesti ha in cantiere e contattarlo per averne uno, andate a visitare il suo sito

Rimanendo sul tema della fantapolitica e di regime dittatoriale postatomico, qualche sera fa ho intercettato la parte finale del film Equilibrium, del regista Kurt Wimmer. E’ un film piuttosto recente (2002) che pone al centro il tema della “dittaura delle emozioni”, che vanno controllate o meglio totalmente negate per il benessere dell’umanità. Devo dire che mi è bastata la parte finale, per capire che il film non era di immensa originalità, ma che al contrario pesca a piene mani da 1984 e Farenheit 451 per i temi e da Matrix per le scelte artistiche ed estiche, con tanto di balletti volanti alla Neo.

Del resto Gerorge Orwell è stato incredibilmente lungimirante, intuitivo e assoluatmente geniale nella manipolazione storico-politica, che ha fatto del suo romanzo uno degli indiscussi capolavori della letteratura, nonchè uno dei miei libri preferiti. E devo dire, che anche il film Orwell 1984 (uscito non casualmente nel 1984) l’ho trovato una degna trasposizione del romanzo sia dal punto di vista dei contenuti che della rappresentazione visiva del romanzo.

Quello della rappresentazione visiva è proprio un tema a cui mi è capitato di pensare spesso nell’ultima settimana a causa di un lavoro di illustrazione che sto seguendo. La rappresentazione visiva di un concetto ci aiuta ad esprimerlo, a spiegarlo agli altri a renderlo più comprensibile e questo è proprio quel che fa del cinema un linguaggio così universale e alla portata di tutti. E’ strano e nel contempo affascinante però come a volte accada che da uno stesso concetto possano scaturire rappresentazioni visive completamente differenti a seconda di chi le genera o viceversa come una rappresentazione visiva possa stimolare in menti diverse concetti estermamente lontani. E voi con che immagine avreste sintetizzato 1984?

Leggi ancora su Avatar

Se qualcuno non se ne fosse accorto ieri è uscito Avatar anche in Italia, come sapete con un certo ritardo rispetto al resto del pianeta, perchè non si sa mai che l’italiano medio non andasse a vedere un po’ di sano cinema panettone, che d’altra parte nel nostro paese è diventato ormai d’essai. Ma chiudiamo subito le polemiche, perchè su Avatar ci sarebbe da scrivere un poema, più che un post e non so davvero da dove cominciare. Lasciando perdere quanti milioni è costato a Holliwood, quanti ne ha incassati, quanti anni di realizzazione, quali fantasmagoriche tecnologie su cui abbiamo potuto leggere articoli su articoli in attesa del grande evento…. andiamo finalmente al film.
Va detto innanzitutto che anche se non vi piacciono i colossal, anche se vi fa schifo la fantascienza e non sopportate quel megalomane di Cameron, il film va assolutamente visto anche solo per l‘esperienza che vivrete: un’immersione totale nella lussureggiante natura di Pandora, corse e voli di animali fantastici, alberi, fiori, montagne, colori, luci, paesaggi notturni… una meraviglia per tutti i sensi! Pandora mi ha ricordato molto Laputa, il leggendario castello volante di Miyazaki (regista ambientalista per eccellenza che merita che al più presto gli venga dedicato un post).
Avatar è ricco di riferimenti di ogni sorta: cinematografici, letterari, storici, spirituali. Una delle cose che ho apprezzato di più è quanto un film così tecnologico possa essere umano, commovente, spirituale. La tecnologia al servizio delle emozioni: onore a Cameron per questo! La simbiosi tra uomo e natura è il tema centrale del film, una simbiosi che è spirituale. La vita viene dalla natura e alla natura ritorna: l’energia ci viene prestata, ma un giorno dovremo restituirla, spiega la bella principessa blu Neytiri all’Avatar del marine Jake Sully. Tra l’altro dal sanscrito Avatar significa “Disceso” e per la religione induista è l’assunzione di un corpo fisico da parte di Dio e se vi guardate le immagini di Krishna nell’avatar è blu. Bah non so se sia questo il motivo per cui il popolo Na’vi indigeno di Pandora è blu… forse c’è una spiegazione molto più semplice
A proposito di Marines invece il buon vecchio Cameron c’è andato giù pesante, che per lo stereotipo che abbiamo noi europei forse non è neppure così eclatante, ma in America che i marines vengano dipinti come zotici, ignoranti, guerrafondai, di una stupidità quasi nauseante non è proprio scontato
La parte di più bella e poetica del film è quella centrale dell’iniziazione di Jake, che come un bambino impara a vivere in connessione con la natura. Bella l’idea di esplicitare questo concetto anche attraverso una connessione fisica dai capelli umani alle piante e agli animali.
Non mi ha convinto invece lo scontro finale tra terrestri distruttori e nativi difensori della natura. Certo fai il film più costoso della storia del cinema e non ci metti una bella battaglia totale con missili, bombe, mitragliatori contro frecce e draghi volanti? E’ pur sempre un Blockbuster!

Esteticamente perfetto, Parnassus ti riempie gli occhi di immagini al punto che sembra sempre di perdersi qualche dettaglio. La dimensione onirica è straordinaria; l’accozzaglia stessa di situazioni, di trasformazioni, ripercorrono le caratteristiche del sogno e forse è per questo che la trama perde di forza. Come quando ci svegliamo da un sogno, abbiamo gli occhi pieni di immagini, sensazioni, suggestioni e ripensando ai fatti diventano indistinti, evanescenti. Così mi è sembrato Parnassus: il messaggio del film non mi è chiarissimo e sembra quasi incompiuto, forse anche a causa dell’improvvisa morte durante le riprese dell’attore Heat Ledger, sostituito nella seconda parte del film da Johnny Deep, Jud Law e Colin Farrell, un unico personaggio, che oltre lo specchio magico, cambia volto.

Un maligno e beffardo Tom Waits, sempre con la sigaretta in bocca, nella parte del Faust che baratta anime in cambio dell’immortalità, è forse il miglior attore del film. Gli altri personaggi rimangono poco sfaccettati o forse solo indefiniti. Bella la trovata delle scale che rincorrono i desideri verso il cielo, ma nel complesso sono rimasta un po’ delusa, Terry Gilliam poteva fare di meglio…

Da vedere al cinema per immergersi nella fantasmagoria, ideale anche per le giornate natalizie

Un assaggio…

Locandina

Un gruppo di amici ieri sera va a vedere District 9…

Negli anni 80 arrivano gli alieni a Johannesburg, creature orripilanti, che vengono immediatamente ghettizzate in baraccopoli: il distretto 9, un luogo dove regnano caos e anarchia e si sviluppa un mercato nero che va dal cibo per gatti alle armi. Gli alieni, subito soprannominati “gamberoni” (una delle migliori trovate del film), fanno incursioni in città che aumentano la xenofobia da parte della popolazione locale. La situazione presto esasperata trova “innovativa” soluzione in un bel respingimento di massa: gli alieni devono tornare a casa loro, nella piena legalità, con tanto di ingiunzione di sfratto! Si capisce ben presto che il film di alieni questa volta vuol essere una metafora di un problema sociale universale, quello dell’immigrazione e dell’incontro – scontro con la “diversità”.

Un’astronave che arriva in Sudafrica e non negli USA; stile documentaristico; alieni che non sfoderano trivelle rotanti e laser neutralizzanti, ma si fanno ghettizzare e vivono in condizioni di estrema povertà; un protagonista che è un antieroe piuttosto  idiota e sempliciotto; atmosfere degradate di reminiscenza cronemberghiana; situazioni ciniche, ridicole e paradossali che non fanno certo ricordare il cinema di fantascienza Hollywoodiano… insomma gli ingredienti per fare un film che ha qualcosa da dire ci sarebbero tutti, peccato che ad un certo punto il film degeneri in uno sparatutto splatter e pure un poco moralista!

All’uscita dalla sala ognuno ci aveva visto qualcosa di diverso: le ragazze ripugnate e piuttosto annoiate (in effetti nulla riesce ad essere più soporifero di uno sparatutto); ragazzi sghignazzanti e compiaciuti (che figata alla fine il robot non poteva proprio mancare). Alla fine la discussione si concentra sull’efficacia dell’allegoria ricercata dal regista: metafora pienamente compiuta o tentativo miseramente fallito?

Il dubbio mi si è sciolto definitivamente questa sera, quando un personaggio, certo non troppo perspicace, racconta di aver visto District 9, un film che parla di un uomo che si trasforma in alieno con dei begli effetti speciali
eccezionale!

Il trailer del film