La trasposizione cinematografica di un (buon) libro è una impresa non facile. Non si capisce come mai, ma molte volte il risultato non è all’altezza delle aspettative del lettore che, durante il viaggio che si compie immergendosi nella lettura di un romanzo, si era già creato una sorta di “proprio film” raramente uguale a quello rappresentato sul grande schermo.
Anche se in molti la pensano diversamente, è un film che ha acceso tra gli appassionati un forte dibattito, personalmente ritengo non sia sfuggito all’inciampo nemmeno l’amatissimo Almodovar con il suo ultimo “La pelle che abito” tratto da “Tarantola” di Jonquet.

Pur mantenendo intatta l’ossatura del libro, Almodovar fa alcuni cambiamenti fondamentali nel rapporto tra Robert (nel libro Richard) e la sua creatura Vera (nel libro Eve), amplia la vicenda della morte della moglie aggiungendo un paio di personaggi ed una storia di maternità nascosta che non influiscono più di tanto nella vicenda, e soprattutto stravolge completamente il finale.
Ne scaturisce un’opera formalmente impeccabile, si vedano gli interni della villa di Ledgard, ma fredda come il ghiaccio.
La dimensione quasi onirica del libro è perduta, il confine tra vendetta con Richard che umilia Eve facendola prostituire, e desiderio sparito.
Almodovar è un grande grandissimo regista, passionale ed emozionante.
E ne La pelle che abito mancano, a mio parere mancano proprio la passione e l’emozione che suscitano altre sue grandissime opere come Tutto su mia madre o Parla con lei.
Qui siamo di fronte ad una sorta di “Frankestein” moderno, elegante, raffinato, quasi chirurgico nella sua perfezione realizzativa, ma in alcuni momenti, l’entrata in scena del figlio della domestica, francamente sconcertante.
Il finale, specialmente se confrontato con quello del libro, lascia parecchio basiti.
Antonio Banderas è bravo a tratteggiare la progressiva pazzia di Robert come non lo era da molto tempo, ma lui da solo non basta a salvare il film. Elena Anaya è bella, bellissima, ma ancora lontana dal carisma di altre chicas di Almodovar come Cecilia Roth, meravigliosa in “Tutto su mia madre”, Penelope Cruz o Victoria Abril.
Peccato.

Per cominciare nel migliore dei modi il nuovo anno ho rivisto Onora il padre e la madre, l’ultimo film di Sidney Lumet che, prima di staccare definitivamente la spina della macchina da presa (il regista è morto nel 2011), ha pensato di farci dare una sbirciatina a un inferno urbano di inizio millennio.

Il titolo originale (Before the devil knows you’re dead) fa riferimento a un detto irlandese che suggerisce a chi è appena morto di arrivare in paradiso un po’ prima che il diavolo si accorga della dipartita, per evitare che la destinazione ultraterrena sia orientata a una destinazione diversa. Nessuno è innocente e il diavolo, pur non essendo granché con i coperchi, è un ottimo contabile.
Onora il padre e la madre è un film sulla crisi: affettiva, familiare, economica; e sul fallimento: etico, genitoriale, sociale.

Non ci sono giochi di destrezza visivi in questo lungometraggio e in generale il cinema di Lumet non è mai stato ostaggio di talentuosi direttori della fotografia, o di montatori dalla mano lesta, che disinnescano il contenuto affogandolo in una melassa di virtuosismo fine a se stesso. Qui Tarantino è lontano anni luce.
Semmai si potrebbe definirlo un ottimo film televisivo, ma attenzione: si tratta di un modello di televisione a cui non siamo più abituati, una televisione che, più del cinema, avrebbe potuto essere specchio e testimonianza del reale.

L’inizio del film è secco, brutale: due che scopano.
Un uomo e una donna.
Uno specchio accanto al letto, in una stanza anonima.
Mentre prende la donna da dietro l’uomo fissa lo specchio; il suo corpo non è attraente, le carni sono flaccide, lo sguardo intorpidito dal piacere gli conferisce un’espressione stolida.
Per tutta la durata dell’amplesso la sua attenzione è catturata dallo specchio: scruta la sua immagine, ne segue i movimenti con lo sguardo, si compiace del godimento della donna che giace sotto di lui.
Dopo l’orgasmo si scambiano qualche parola, lui si stupisce della passione che li ha inaspettatamente travolti nonostante siano ormai “una vecchia coppia sposata”. Dalle prime battute che i due si scambiano si apprende che sono lontani da casa, in vacanza, e che la passione di cui siamo stati spettatori era un artificio, una messa in scena generata dal fumo e dalla distanza che li separa dalla vita di tutti i giorni. Un tentativo forzato, l’ultimo, prima del collasso.
Questo è il prologo, ed è l’unico momento in cui l’uomo, il cui nome è Andy, ha il controllo di quello che gli accade (anche se, come abbiamo inteso, è un controllo fittizio, un’illusione generata da droga e lontananza, un miraggio destinato a rimanere confinato dentro la cornice di uno specchio).

Il film vero e proprio comincia dalla scena successiva, oltre lo specchio, e da quel momento l’illusione di completezza, di corrispondenza tra pulsioni e azione, di armonia tra “io” e mondo esterno, di linearità tra causa ed effetto percepita attraverso la semplice realtà dell’atto sessuale, viene meno.
Tutto quello che vediamo accadere nelle due ore successive giace su un piano diverso rispetto a quello abitato dai protagonisti, ed è a loro inaccessibile: lo specchio visto all’inizio si è definitivamente infranto, nessuno riuscirà più ad abbracciare con lo sguardo l’intero orizzonte in cui la vita è racchiusa. Estranei a se stessi e separati gli uni dagli altri, gli unici barlumi di lucidità che lasciano intravedere la realtà morale che sottende la loro vita esteriore spalancano porte sull’orrore. La volontà frammentata di Andy e del fratello minore, ma anche degli altri personaggi, non produce altro che schegge di eventi dalle conseguenze imprevedibili e fatali. In questo contesto, gli improvvisi salti temporali della narrazione, annunciati da fermi immagine che vibrano e si dissolvono nella scena successiva, non costituiscono tanto una scelta formale, quanto un modo per sottolineare l’assoluta deriva in cui versano le vittime-carnefici rappresentate in questo film. L’America è avanti rispetto a noi, sulla strada che conduce al disastro.
Buon anno.

Da dove cominciare a parlare dell’ultimo film, Melancholia, di Lars Von Trier. Onestamente non lo so: mi viene in mente una raffica di aggettivi per descriverlo, ma non le parole per raccontarlo.

Di sicuro non parlerò né di Filosofia, né di Mito, né tanto meno scomoderò parallelismi più o meno aulici, come ho letto in diverse recensioni, di cui onestamente non ho capito nulla.

Del buon vecchio Lars – si fa per dire – ho visto diversi film; non mi sono fatta neppure intimidire da Idiots per capirci, eppure ogni volta rimango spiazzata. Cercare un filo logico o una consequenzialità narrativa è da evitare, meglio lasciarsi trascinare nel turbine di non sense, di angosce e fobie della mente di un lucido folle.

Presentato alla 64a edizione del Festival del Cinema di Cannes, Melancholia esce nelle sale con sei mesi di ritardo a causa delle dichiarazioni provocatoriamente filo-hitleriane che sono costate al controverso regista danese la cacciata dal Festival.

Se qualcuno non lo aveva ancora capito, Lars Von Trier è un folle, una personalità oscura e inquietante, invisa e volontariamente provocatoria, eppure è un genio. Ma tutto questo non deve bastare per lasciarsi intimidire, che è quello che il regista probabilmente ricerca e allora continuare a vedere i suoi film diventa quasi una sfida. Una sfida alle nostre imperturbabili coscienze, alla serenità e intimità che cerchiamo nella sala cinematografica.

Come nella tradizione di Von Trier, il film è organizzato per capitoli o per atti. Si parte con un prologo, che è pura poesia: una sequenza onirica che alterna immagini e il moto di corpi celesti, accompagnata del preludio al primo atto dell’opera Tristano e Isotta di Wagner.

I due atti raccontano l’antitesi delle personanilità di due sorelle in un unico spazio di azione (unità di luogo): Justine (Kirtsen Dunst) è irrazionale, emotivamente instabile, fuori dagli schemi, incurante delle formalitàche; nel primo capitolo festeggia il suo matrimonio e invece che essere all’apice della felicità, manifesta tutto il male di vivere. La sorella Claire (Charlotte Gainsbourg), protagonista del secondo episodio, è calma, controllata, razionale, cerca la sicurezza e la stabilità nell’organizzazione e nel controllo di quanto le sta intorno.

Il rapporto tra le due sorelle è conflittuale, ma al tempo stesso stretto e profondo. Un evento cataclismatico e imprevendibile, rovescerà le aspettative dello spettatore riguardo alle caratteristiche e ai comportamenti delle due protagoniste. Ma tranquilli, Von Trier non ha messo in scena un film catastrofista sull’onda delle previsione dei Maja. L’Apocalisse è un pretesto narrativo e uno spunto creativo eccezionale per realizzare un affresco che è una vera opera d’Arte. Abbandonato il Dogma, Von Trier ricerca un’estetica sublime e perfetta, che, accompagnata dalla sontuosità dell’opera wagneriana, è ciò che fa del film un vero capolavoro e il motivo per non perdere assolutamente questo film.

Per i razionalisti che non amano farsi trascinare nelle follie narrative di Von Trier, l’aspetto estetico rimane comunque un elemento di oggettiva qualità del film, che lo inserisce di diritto tra i Cult. Per chi fosse pronto a lasciare da parte la razionalità e segurie il genio folle troverà nel film ben di più…

Consigliatissimo

Invece del Trailer, che a mio parere non rende merito al film, vi lascio con questo video sugli effetti speciali, che mostra alcune scene topiche dell’opera di Von Trier

Melancholia, Special Effects

Paolo Sorrentino mi aveva incuriosito con “L’amico di famiglia” e poi davvero stupito con “Il Divo“; con Must Be the Place fa un ulteriore passo avanti, che lo rende a tutti gli effetti un regista di spessore internazionale. Era già chiaro con Il Divo, che pur raccontando una storia tutta italiana, lo stile aveva un respiro assolutamente internazionale come regia, fotografia, colonna sonora. Un film impeccabile di altissimo livello; un regista completo che non cura solo la storia (come spesso accade per molti film italiani), ma fa di un’ottima storia un gioiello cinematografico, una piccola opera d’arte nel senso letterale del termine.

This must be the place è la storia di una Rock Star del passato, interpretata da un pittoresco e strabiliante Sean Penn, che descriverei come una via di mezzo tra Robert Smith dei Cure e Edward Mani di Forbice di Tim Burton e non è un caso direi! Sorrentino, grazie alle doti indiscutibili di Seann Penn, costruisce un nuovo e indimenticabile personaggio cinematografico, un mix tra un uomo e un fumetto, una creatura fanciullesca, di un’umanità profonda, un Peter Pann un po’ imbranato, che parla con la semplicità di un bambino e di un saggio allo stesso tempo.

La sceneggiatura è così ben costruita che sembra tratta da un romanzo. La prima parte è tutta dedicata alla presentazione del personaggio, mentre la seconda al viaggio, un viaggio fisico ed esistenziale, anche se come chiarisce alla moglie : “Non sto cercando me stesso. Sono in New Mexico non in India”; è un viaggio alla ricerca di un luogo, un luogo in cui sentirsi a proprio agio e trovare la propria dimensione, poco importa che il luogo non sia propriamente fisico, ma interiore. Ho letto diversi commenti che considerano la sceneggiatura sfilacciata, dispersiva a tratti noiosa, in particolare perchè non tratteggia con una certa precisione e costanza la vita di alcuni personaggi (vedi la storia della madre che attende alla finestra il ritorno del figlio). Non condivido questa visione, perchè non è un racconto corale, ma è come se entrassimo ad un certo momento della vita di Cheyenne (Sean Penn) e cominciassimo a seguirlo in un cammino in cui incontrerà una serie di figure funzionali alla storia. Poco importa se non si sa da dove vengano e dove stiano andando, non è questo che interessa raccontare al regista.

This must be the place è il titolo di una canzone dei Talking Heads e David Byrne è appunto uno dei personaggi incontrati durante il viaggio. Questa canzone e l’intera colonna sonora sono un altro dei punti di forza del film, semplicemente perfetta.

David Byrne This Must Be The Place Live Jools Holland 2004‬

I dialoghi sono davvero splendidi, pervasi di un sarcasmo pungente. Si capisce che sono stati studiati nei dettagli e sono l’indice della profondità e dello spessore del film.

E poi c’è la meravigliosa fotografia e dei movimenti di camera che valorizzano lo spazio: particolarmente interessante il contrasto tra gli spazi ristretti dell’Irlanda, dove tutto è a misura d’uomo e invece le enormi spianate degli Stati Uniti, dove è la natura a fare da padrona e poi i primi e i primissimi piani, che colgono i sentimenti, gli umori, le imperfezioni umane.

Ma alla fine non è nè la regia, nè la sceneggiatura, nè la fotografia, è la Poesia che rende questo film indimenticabile, da vedere e rivedere per gustarlo pienamente.

Oscar all’orizzonte? Non saprei, ma di sicuro sarebbero più che meritati.

Nella periferia torinese degli anni Settanta una banda di ragazzini gioca fra le lamiere arrugginite di fabbriche abbandonate. Un ricco ed educato dottore fa il suo ingresso in questo scenario brullo e assolato. La comparsa di un mostro sconvolge un terreno inviolabile, e un gruppo di piccoli eroi dovrà trovare il coraggio di affrontarlo. “Ruggine” è un film che intreccia abilmente diverse tematiche: è un racconto sull’amicizia, una rappresentazione emblematica dell’inevitabile riemergere del passato nel presente, una riflessione sul potere e le sue dinamiche subdole e distorte, nonché un’intensa e coinvolgente “fiaba nera”. I toni fiabeschi si avvertono già dall’incipit, in cui due dei giovani protagonisti, Sandro (Giuseppe Furlò) e Cinzia (Giulia Coccellato), si scambiano delle parole timide e qualche tenera carezza sotto una scia danzante di polvere, resa dorata da un fascio di luce che filtra da una fessura sul soffitto del “castello”, un traballante assembramento di rottami rugginosi elevati dai bambini a dimora di giochi e avventure. La loro infanzia scivola sotto il sole cocente dell’estate, fra corse in mezzo a distese di sterpaglie bruciacchiate e rischiose imprese guerresche guidate da Carmine (Giampaolo Stella), l’autoritario capobanda. Ma, come in ogni fiaba, c’è un orco. Un uomo nero dalla voce cavernosa interpretato dall’ottimo Filippo Timi, in grado tanto di librare il personaggio verso slanci di grottesca follia (come nella scena in cui, con i capelli spettinati e lo sguardo esaltato, intona un’aria lirica, prima restando in primo piano e poi allontanandosi attraverso i campi con le spalle alla camera, mentre la sua figura sfocata si assottiglia in modo sempre più inquietante) quanto di contenerlo in un’immobilità capace, già di per sé, di far paura. Alla prima torinese del film, a cui ha fatto seguito un dibattito col pubblico, il regista ha fatto accenno all’impegno profuso insieme all’attore perugino per la costruzione di un personaggio complesso come quello del dottor Boldrini; le atmosfere di riferimento sono state quelle del cinema espressionista tedesco del primo Novecento, ha dichiarato. Non a caso le ombre e i cigolii fischiettanti (una parte consistente del valore dell’opera va riconosciuta allo splendido lavoro sui suoni e le musiche) che accompagnano le apparizioni del colto pediatra rievocano esplicitamente “M – Il mostro di Düsseldorf”. In effetti “Ruggine” è, ad un primo livello, la storia di un maniaco, un medico apparentemente rispettabile, in realtà disturbato e devoto a ideali neo-nazisti, che gode, in virtù del proprio status sociale, più elevato rispetto a quello degli immigrati insediati nel fatiscente quartiere in cui è stato costretto a trasferirsi, della loro indiscussa ammirazione. La sua vera natura, dopo il consumarsi dei primi, orrendi, omicidi, comincia a divenire chiara agli occhi dei bambini, che notano in lui dei comportamenti strani. Eppure non osano rivelare le loro esatte percezioni agli adulti, perché sanno bene che i grandi non li avrebbero ascoltati. In questo momento emerge in modo piuttosto evidente il discorso sul potere. Il fatto che il gruppo, dopo aver malmenato un barbone per averlo inizialmente creduto responsabile degli efferati delitti, prenda coscienza della colpevolezza dell’individuo più stimato della comunità e non diffonda la scoperta nel “mondo adulto”, rappresenta da un lato la cesura irrecuperabile fra la maturità e l’infanzia, una zona incorrotta in cui lo sguardo puro e diretto sulla realtà non è ancora stato inquinato dai compromessi e le ipocrisie che rendono possibile la vita all’interno della società, dall’altro la presa di coscienza disarmante (ma solo per il pubblico: i ragazzini della storia lo comprendono in modo molto più naturale) che il Male, se per un verso proviene da recessi oscuri e insondabili, per l’altro risiede nella forzata tranquillità, condivisa dai più, del quotidiano, è visibile alla luce del sole sulla superficie di una presunta normalità che assume se stessa acriticamente, rinunciando a uno sguardo sullo e dall’esterno, per ritrovarsi, in definitiva, a galleggiare in un’illusoria totalità indifferenziata. In questo senso, il consorzio umano è immune alla Verità del male presente al proprio interno; essa potrebbe costituire un efficace vaccino se non fosse rifiutata a priori. Senza svelare il finale, si può dire che la vicenda seguirà uno sviluppo fedele al canone fiabesco. All’interno del piano narrativo focalizzato sul passato dei ragazzi, però, si incastrano vari episodi sul futuro dei tre protagonisti: quello di Sandro (Stefano Accorsi), traduttore impegnato a tenere a bada il vivace figlioletto in un monolocale ingombro di libri; quello di Cinzia (Valeria Solarino), maestra di arte in una scuola media, prima spettatrice incredula poi infervorata parte attiva di un assurdo consiglio di classe che mette a nudo le contraddizioni, e le bassezze, di uno svogliato gruppo docenti incapace, col suo magmatico maschilismo e il suo simpatico menefreghismo, di considerare la propria “materia di lavoro” per quella che veramente è, ovvero un insieme di individui in fase di crescita con alle spalle una serie di storie personali più o meno serene, e di affrontare il sorgere di eventuali problemi con cognizione di causa, o perlomeno con il dovuto tatto; infine, quello di Carmine (Valerio Mastandrea), che, rinchiuso nella penombra di un anonimo bar a fumare e bere birra, ci fa assistere alla transazione dall’originaria spavalderia e sicurezza di sé al manifestarsi di una fondamentale vigliaccheria e incapacità di controllare le circostanze, mentre l’irrompere di pressioni presenti contribuisce al conflittuale riaprirsi di cicatrici passate. Ci vengono così presentati così tre adulti alle prese col fantasma di un episodio ormai trascorso che, sfuggendo alla contingenza del suo accadere particolare, si trasforma in un tema di portata necessariamente più ampia, fino a diventare il simbolo del rimosso storico che grava sull’oggi. Se è vero che, nel corso del suo inevitabile ripresentarsi, esso ha anche, almeno per i personaggi, una portata emancipatoria, perché libera chi conserva il ricordo dal peso della custodia, non si può dire che il film intenda offrire al pubblico alcuna scappatoia, volgendosi in conclusione verso prospettive ottimistiche. Soprattutto per via della naturale tendenza a dimenticarci delle condizioni socio-politiche che hanno preceduto il nostro tempo e a interpretare le brutture e gli orrori che ci circondano come frutto del caso. Spesso abbiamo voglia di sbarazzarci troppo facilmente delle scosse subite, questo il regista di “Nemmeno il destino” non cessa mai di ricordarlo. E fa riflettere come, attualmente, gli unici in grado di elaborare e diffondere (quando ci riescono) idee sull’attualità dalle valenze fortemente politiche siano gli artisti. Dopo la proiezione al cinema Massimo, Gaglianone ha raccontato di una domanda postagli a Venezia da una giornalista della RAI: “Ma perché fai sempre film così duri?”; “Forse – questa la risposta – ci vuole qualcuno che dia qualche schiaffone. Sono trent’anni che ci raccontiamo barzellette, e adesso siamo nella merda”. Più chiaro di così non si può. Splendida l’ultimissima scena, inserita dopo i primi titoli di coda: un rimbalzo di sguardi fra i tre protagonisti adulti in metropolitana, sulla scia di “Un campo lungo cinematografico”, brano composto da Vasco Brondi appositamente per il film. L’atmosfera sospesa nell’azzurrino del vagone, l’incontro mancato, forse avvenuto davvero, forse no, l’accordo fluttuante fra immagini e musica, coronano alla perfezione un’opera scaturita dalla miscela esplosiva fra fiaba e crudo realismo. Mescolanza che trova la sua più compiuta espressione nell’episodio in cui Stefano Accorsi, giocando con il figlio, si finge un drago. Mentre il bambino lo cerca, lui salta fuori dall’armadio, per fargli uno scherzo. Ma, in quel momento, agli occhi del piccolo, il padre si trasforma nell’uomo nero che l’adulto ha conosciuto durante l’infanzia. Il ragazzino si spaventa a morte, e non dice più una parola fino alla fine della scena, nonostante le scuse e l’abbraccio del genitore. Metaforicamente, il ricordo del mostruoso dottore si è materializzato nella tranquillità dell’appartamento, e il Male che rappresenta è stato talmente sconvolgente da ridurre al silenzio un nuovo bambino, fino ad allora ignaro della sua esistenza.

Davide d’Amore

Chi già conosce e ama i due registi di Liegi sa cosa aspettarsi e non verrà deluso; per gli altri potrebbe essere una bella scoperta. I Dardenne mi viene da paragonarli a un Ken Loach alla francese: come il regista inglese infatti affrontano temi sociali di alta drammaticità, che hanno come protagonisti piccoli e grandi uomini e donne. Il protagonista di questa pellicola è Cyril, un ragazzino di 12 anni, con un visetto ancora da cucciolo, ma la grinta e il desiderio di autonomia e di rivalsa di un uomo. Pur vivendo da oltre un mese in un istituto, si rifiuta di accettare che il padre lo abbia abbandonato e con caparbietà continua a cercarlo, finchè nella sua personale battaglia contro il mondo incontra Samantha (Cecil de France, che abbiamo visto di recente in Hereafter di Clint Eastwood), una parrucchiera che si prende a cuore fin da subito il piccolo Cyril e con rispetto e delicatezza cerca di aiutarlo e ridargli un equilibrio affettivo.

Il film è realistico, a tratti crudele: la scena in cui il piccolo ascolta le parole di rifiuto del padre farebbe venire un coccolone anche al più impassibile degli spettatori. Asciutta e mai pietistica, la storia scorre con inesorabile durezza: sembra non possa esserci riscatto e che le scelte siano a senso unico. Insieme a quella di Cyril, anche la vita di Samantha sembra precipitare in un baratro di angoscia. Nulla è facile; non tutti i bambini hanno diritto a vivere un’infanzia felice e a crescere protetti. Non ci sono passaggi scontati nel film e anche il finale che riapre la speranza è molto equilibrato.

Il piccolo Thomas Doret sembra un eroe alla Oliver Twist, alla David Copperfield e in generale ricorda una figura dei romanzi di formazione o ancora meglio un Pinocchio dei nostri giorni. La similitudine con Pinocchio più ci penso e più mi piace, perchè anche Samantha è un po’ come la Fata Turchina e i bambini cattivi non esistono; ne esistono di sfortunati e soli, ma la possibilità di riscatto può sempre esserci, soprattutto perchè il sangue non è tutto e lungo il cammino possiamo incontrare in qualsiasi momento qualcuno che ci cambierà la vita.

Siamo di fronte ad un film che non propone valori assoluti e riflessioni psicologiche complesse, ma il personaggio del piccolo Cyril è di quelli che rimangono impressi nella memoria. Assolutamente consigliato, bell’idea anche per un cineforum tematico.

Il trailer del film

Ma veniamo a Cirkus Columbia. E’ il 1991 e siamo in Bosnia Erzegovina. Divko, scappato 20 anni prima dalla sua terra ed emigrato in Germania, vi ritorna per ritrovare le sue radici e rituffarsi in un nostalgico passato, che non solo non esiste più, ma deve far largo ad un futuro incombente che rimescola tutte le carte. Divko torna ricco e potente; sembra un uomo senza cuore: il suo primo pensiero è quello di sfrattare la moglie e il figlio dalla casa in cui hanno vissuto 20 anni per trasferirvisi con la nuova bella e giovane futura moglie. L’unico che sembra amare di un profondo affetto è il suo gatto nero portafortuna Bonny ed è proprio la fuga del gattino che segna l’inizio del crollo delle sue certezze.

Danis Tanovic, regista di No Man’s Land, strameritatamente premiato agli Oscar e a Cannes nel 2001, 10 anni dopo torna ad affrontare il tema della guerra nella ex-jugoslavia, con un approccio molto particolare: raccontare “il prima” del conflitto. La scelta è ancora più amara che mostrare scene di guerra e combattimento, anche se il film potrebbe definirsi una commedia, se non comica, sicuramente sarcastica.

I protagonisti sono 4 (anzi 5 considerando Bonny, che, pur non avendo il dono della parola, funge filo conduttore simbolico della vicenda e non può che riportare la memoria a Gatto nero Gatto bianco), ognuno alle prese con relazioni difficili, sopite, mai risolte, mai nate. La vicenda ha sullo sfondo un contesto politico e sociale che sta rapidamente cambiando. La caduta del muro di Berlino, che per l’Europa ha significato uno storico e simbolico momento di vittoria della libertà e della democrazia, in Jugoslavia è stato l’inizio di un ineluttabile cammino verso la guerra.

Ma cosa c’era prima? E’ questo quello di cui Tanovic vuole parlare, ricordare la vita prima dell’orrore. La sintesi perfetta del film sta nella scena finale, un’emblematica immagine che racchiude tanta tenerrezza quanta amarezza. Da vedere.

Il ritratto di un sud al naturale, in cui si riesce a ricostruire senza grossi artifici un piccolo mondo antico, fatto di poche parole e gesti di eredità secolare che si ripetono come se il tempo fosse segnato da una clessidra rotta. Ne appare un sud, molto lontanto dalla rappresentazione quasi macchietistica a cui siamo stati abituati da un cinema italiano, che spesso pecca di ostentato provincialismo. Campi lunghi, movimenti lenti, l’occhio di una telecamera attenta, che indugia sugli sguardi e sui movimenti lenti, che ricorda e beneficia di un respiro di cinema orientale, forse grazie all’influenza del co-scenografo Yang Li Xiang.

Nonostante, la storia semplice e una trama abbastanza scontata, lo sguardo è ampio e permette l’astrazione di messaggi e valori. Un film di sguardi e di silenzi, che non lascia spazio ad intrecci che vanno al di là del percorso della protagonista. Pochissimo spazio è lasciato agli altri personaggi, soprattutto a quelli maschili, il che rende il film un po’ troppo asciutto.

Bravissima, invece, nella parte della protagonista Isabella Ragonese, adatta anche nelle caratteristiche fisiche al ruolo che interpreta, una ragazza esile, ma forte, dallo sguardo intenso e vivace. Una giovane attrice che incanta e che si rivela un’interessantissima promessa del cinema italiano. E un bel ruolo quello per lei disegnato da Giorgia Cecere: il ritratto di una donna coraggiosa, attenta osservatrice, che senza atteggiamenti da eroina è pronta a confrontarsi con un luogo ostile, con la capacità di mettersi in discussione e alla fine riprensare la propria vita e trovare una nuova soprendente strada.

Un film dallo sguardo sensible e femminile quello della Cecere, che dedica grande cura anche all’estetica del film: splendida la fotografia, belli i colori, la luce naturale e gli abiti e gli accessori indossati da Nena, che la distinguono, senza bisogno di parlare, dal resto del villaggio.

Un film dolce e amaro, che a tratti diventa soffocante per poi ritornare ad una melanconica calma. Un film che consiglio soprattutto ad un pubblico femminile e molto adatto per cineforum sulla condizione femminile o per la Festa della donna.

E’ l’inquietudine il sentimento che mi ha pervasa per quasi tutta la durata di “The Social Network“, e – diciamolo subito – chi vuole vedere un film su Facebook dovrebbe scegliere un’altra pellicola. Non ho ancora visto “Il discorso del Re”, quindi non posso sapere se la Notte degli Oscar è stato un furto ai danni di un’opera che meritava maggiori attenzioni, ma qui il regista David Fincher (David, mi avevi già abbondamente convinta con Seven, con Fight Club hai guadagnato la mia stima eterna e ora ti meriti un inchino) è capace di dirigere con la solita maniacalità – si parla anche di 99 ciak per scena!!! – attori nati per questi ruoli, in primis Jesse Eisenberg e Andrew Garfield, ma notevole è anche l’interpretazione di Justin Timberlake (no, non è un omonimo, è proprio l’ex front man della boy band ‘N Sync). Non è un biopic su Mark Zuckerberg - anche se inizialmente potrebbe sembrarlo – nè la storia di un successo finanziario, perchè è mostrato con evidenza il disinteresse del padre, o meglio di uno dei padri, di Facebook per il denaro. Lo sceneggiatore Aaron Sorkin ha voluto raccontarci i retroscena nascosti tra le righe di codice del più popolare social network del mondo, analizzando nel dettaglio la nascita e la crescita di un’ossessione, quella che porta un genietto di Harvard (e lì a quanto pare abbondano) a creare il programma del secolo, trasformandosi da nerd del dormitorio al più giovane miliardario del mondo (ma sempre nerd, sia chiaro). La stessa ossessione che colpisce anche molti utenti di Facebook, dentro e fuori il film, che entrano di continuo nella loro pagina e controllano in modo maniacale quel che fanno i loro amici… meccanismo al quale, come vedrete, non è immune nemmeno il nostro buon Mark. E alla fine resta solo una domanda: ma Zuckerberg ci è o ci fa? Cioè puoi davvero essere così preso dalla tua creatura da non accorgerti che sta distruggendo tutti i legami della tua vita? Forse si, o forse tutto il senso di questa storia è racchiuso nella battuta “Non sei uno stronzo, Mark. Cerchi solo ostinatamente di esserlo”. Una curiosità che vi farà apprezzare maggiormente il film: i gemelli Winklevoss sono in realtà interpretati da un unico attore (e quando vedrete la scena della gara di canottaggio – sublime! – apprezzerete questo piccolo aneddoto, credetemi).

ps: la citazione che non mi levo più dalla testa?! Erika: “È meglio se restiamo amici, Mark” – MZ: “Io non voglio amici”. Punto.

Elle Fanning - Cleo in piscina

La sensazione che ho provato guardando questo film, dalla storia molto esile, è la stessa che ho sentito con Lost in Translation: la sensazione calda e piacevole che c’è sempre una possibilità e che, a qualsiasi punto della propria esistenza uno si trovi – e soprattutto se crede di essere in un vicolo cieco – c’è qualche cosa che accade. Una piccola scintilla gli dice che può ancora fare delle scelte. Spegnere una Ferrari nera nel mezzo del deserto, per esempio, e proseguire a piedi. Un pensiero così è molto americano, ma anche molto human being.
Et voilà, versata la melassa che c’è nel mio cuore, posso dire ancora che Sofia Coppola mantiene altissimo il livello stilistico ed estetico, e dissimula con leggerezza una semplicità che è frutto di profonda conoscenza della macchina del cinema. Cosa che la porta a creare alcune scene che incantano: l’incipit con l’auto che gira a vuoto in una pista, la ripetuta doccia del favoloso protagonista col braccio ingessato, la prova di Cleo nel pattinaggio sul ghiaccio, con una Elle Fanning che lascia a bocca aperta per la naturalezza con cui gioca nel ruolo che le hanno dato. Già citata in questo blog, anche la doppia sequenza della lap dance.
Io che adoro Rambo, non riesco a non apprezzare Somewhere e a non trovarci lo stesso gusto di una scena di guerra, avventura, sparatorie e morti. E, magia delle magie, non riesco a non identificarmi in un personaggio con il quale non condivido nulla, ma che risulta più vero del vero mentre gioca con la figlia a Guitar Hero sulla Wii.

Elle Fanning e Stephen Dorff si sfidano a Guitar Hero