Ce ne sono davvero di geniali: minimalisti, grunge e un po’ retrò.
Eccone alcuni dei miei preferiti.

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Questa premessa per introdurre un progetto che tenta di promuovere e far crescere il cinema indipendente; arriva dal web, ancora una volta fautore di processi di condivisione e democratizzazione. Il progetto Cineama è una piattaforma ancora in beta nata per creare, produrre e distribuire film indipendenti.

Il funzionamento è molto semplice e ben illustrato in questo video. Il principio è che il cinema può essere un progetto collettivo, in cui si uniscono idee e risorse: basta mettere a disposizione un luogo virtuale in cui farle incontrare.

Ma Cineama è più in generale una piattaforma dedicata a tutti gli amanti del cinema: agli appassionati, ai curiosi, a chi è sempre alla ricerca di novità e chicche e soprattutto ha dietro una community per lo sharing di informazioni, cuorisità, idee e progetti. Cineama contiene un vero e proprio social network composto di cineamatori, che possono essere registi, sceneggiatori, fotografi, costumisti, attori, montatori, ma anche semplici appassionati e amatori. Si tratta di un socialnetwork non generalista, con un target ben preciso: si ritrova qui chi ama, fa o studia cinema. Non solo, queste persone si ritrovano con finalità pragmatiche e definite. Un approccio molto diverso dal generalismo o dalla futilità di Facebook, su cui anche altri social networks, non sempre con buoni successi, hanno cercato di ritagliarsi la propria nicchia di mercato e che tuttavia offrono stimoli e opportunità agli utenti, che vanno al di là del sano o insano cazzeggio che offre Facebook. La presenza delle sezioni dedicate ai laboratori e ai progetti rafforza questa scelta fautrice di proattività, con la possibilità di decidere democraticamente quali proposte far crescere attraverso il crowdsourcing e il crowdfunding. Il sistema di selezione è infatti peer to peer: non si tratta di contest in cui è una giuria a scegliere, ma sono gli utenti stessi della rete a farlo. Questo processo di selezione non garantisce la meritocrazia; non è detto che siano i progetti migliori qualitativamente ad andare avanti, dal momento che chi li selazione non ha probabilmente le competenze che potrebbero essere invece garantite da una giuria selezionata. Sono però i progetti premiati dai protagonisti: autori e futuri spettatori. Non basta sicuramente Cineama a “liberalizzare” il mercato cinematografico, ma è un segno positivo che, come ormai sempre più frequentemente, ci giunge grazie al media oggi più democratico: il web ed è un aiuto concreto a tanti valenti autori che speriamo non debbano fare la fine che Federico Di Cicilia racconta in questo corto autoironico nato per promuovere l’iniziativa del film in croudfunding “A mio padre piaceva Rivera”

L’idea di Life in a Day è quella di testimoniare un’unica giornata sulla terra, grazie alla collaborazione di un esercito di registi improvvisati collocati in ogni parte del mondo. Ciascuno ha girato una piccola sequenza della propria giornata e l’ha poi caricata su You Tube senza montaggio, senza colonna sonora e senza nessun particolare supporto tecnologico.

Per sapere di più dell’organizzazione dell’esperimento potete leggere il post e l’intervista a Kevin McDonald ›

Il film ottenuto dall’enorme montaggio è stato presentato al Sundance Festival e al Festival di Berlino e dopo il passaggio al cinema è adesso visibile gratuitamente su You Tube.

Ecco dunque il risultato finale dell’esperimento!

Life in a Day: il film della regia di Kevin Mcdonald in collaborazione con migliaia di utenti di tutto il mondo

Sul canale di You Tube potete anche trovare tutti i filmati inviati, organizzati attraverso una simpatica visualizzazione che permette di vedere da dove provengono e sono anche catalogati per argomenti

Il globo dei filmati e le interviste ai protagonisti un anno dopo›

Da dove cominciare a parlare dell’ultimo film, Melancholia, di Lars Von Trier. Onestamente non lo so: mi viene in mente una raffica di aggettivi per descriverlo, ma non le parole per raccontarlo.

Di sicuro non parlerò né di Filosofia, né di Mito, né tanto meno scomoderò parallelismi più o meno aulici, come ho letto in diverse recensioni, di cui onestamente non ho capito nulla.

Del buon vecchio Lars – si fa per dire – ho visto diversi film; non mi sono fatta neppure intimidire da Idiots per capirci, eppure ogni volta rimango spiazzata. Cercare un filo logico o una consequenzialità narrativa è da evitare, meglio lasciarsi trascinare nel turbine di non sense, di angosce e fobie della mente di un lucido folle.

Presentato alla 64a edizione del Festival del Cinema di Cannes, Melancholia esce nelle sale con sei mesi di ritardo a causa delle dichiarazioni provocatoriamente filo-hitleriane che sono costate al controverso regista danese la cacciata dal Festival.

Se qualcuno non lo aveva ancora capito, Lars Von Trier è un folle, una personalità oscura e inquietante, invisa e volontariamente provocatoria, eppure è un genio. Ma tutto questo non deve bastare per lasciarsi intimidire, che è quello che il regista probabilmente ricerca e allora continuare a vedere i suoi film diventa quasi una sfida. Una sfida alle nostre imperturbabili coscienze, alla serenità e intimità che cerchiamo nella sala cinematografica.

Come nella tradizione di Von Trier, il film è organizzato per capitoli o per atti. Si parte con un prologo, che è pura poesia: una sequenza onirica che alterna immagini e il moto di corpi celesti, accompagnata del preludio al primo atto dell’opera Tristano e Isotta di Wagner.

I due atti raccontano l’antitesi delle personanilità di due sorelle in un unico spazio di azione (unità di luogo): Justine (Kirtsen Dunst) è irrazionale, emotivamente instabile, fuori dagli schemi, incurante delle formalitàche; nel primo capitolo festeggia il suo matrimonio e invece che essere all’apice della felicità, manifesta tutto il male di vivere. La sorella Claire (Charlotte Gainsbourg), protagonista del secondo episodio, è calma, controllata, razionale, cerca la sicurezza e la stabilità nell’organizzazione e nel controllo di quanto le sta intorno.

Il rapporto tra le due sorelle è conflittuale, ma al tempo stesso stretto e profondo. Un evento cataclismatico e imprevendibile, rovescerà le aspettative dello spettatore riguardo alle caratteristiche e ai comportamenti delle due protagoniste. Ma tranquilli, Von Trier non ha messo in scena un film catastrofista sull’onda delle previsione dei Maja. L’Apocalisse è un pretesto narrativo e uno spunto creativo eccezionale per realizzare un affresco che è una vera opera d’Arte. Abbandonato il Dogma, Von Trier ricerca un’estetica sublime e perfetta, che, accompagnata dalla sontuosità dell’opera wagneriana, è ciò che fa del film un vero capolavoro e il motivo per non perdere assolutamente questo film.

Per i razionalisti che non amano farsi trascinare nelle follie narrative di Von Trier, l’aspetto estetico rimane comunque un elemento di oggettiva qualità del film, che lo inserisce di diritto tra i Cult. Per chi fosse pronto a lasciare da parte la razionalità e segurie il genio folle troverà nel film ben di più…

Consigliatissimo

Invece del Trailer, che a mio parere non rende merito al film, vi lascio con questo video sugli effetti speciali, che mostra alcune scene topiche dell’opera di Von Trier

Melancholia, Special Effects

Paolo Sorrentino mi aveva incuriosito con “L’amico di famiglia” e poi davvero stupito con “Il Divo“; con Must Be the Place fa un ulteriore passo avanti, che lo rende a tutti gli effetti un regista di spessore internazionale. Era già chiaro con Il Divo, che pur raccontando una storia tutta italiana, lo stile aveva un respiro assolutamente internazionale come regia, fotografia, colonna sonora. Un film impeccabile di altissimo livello; un regista completo che non cura solo la storia (come spesso accade per molti film italiani), ma fa di un’ottima storia un gioiello cinematografico, una piccola opera d’arte nel senso letterale del termine.

This must be the place è la storia di una Rock Star del passato, interpretata da un pittoresco e strabiliante Sean Penn, che descriverei come una via di mezzo tra Robert Smith dei Cure e Edward Mani di Forbice di Tim Burton e non è un caso direi! Sorrentino, grazie alle doti indiscutibili di Seann Penn, costruisce un nuovo e indimenticabile personaggio cinematografico, un mix tra un uomo e un fumetto, una creatura fanciullesca, di un’umanità profonda, un Peter Pann un po’ imbranato, che parla con la semplicità di un bambino e di un saggio allo stesso tempo.

La sceneggiatura è così ben costruita che sembra tratta da un romanzo. La prima parte è tutta dedicata alla presentazione del personaggio, mentre la seconda al viaggio, un viaggio fisico ed esistenziale, anche se come chiarisce alla moglie : “Non sto cercando me stesso. Sono in New Mexico non in India”; è un viaggio alla ricerca di un luogo, un luogo in cui sentirsi a proprio agio e trovare la propria dimensione, poco importa che il luogo non sia propriamente fisico, ma interiore. Ho letto diversi commenti che considerano la sceneggiatura sfilacciata, dispersiva a tratti noiosa, in particolare perchè non tratteggia con una certa precisione e costanza la vita di alcuni personaggi (vedi la storia della madre che attende alla finestra il ritorno del figlio). Non condivido questa visione, perchè non è un racconto corale, ma è come se entrassimo ad un certo momento della vita di Cheyenne (Sean Penn) e cominciassimo a seguirlo in un cammino in cui incontrerà una serie di figure funzionali alla storia. Poco importa se non si sa da dove vengano e dove stiano andando, non è questo che interessa raccontare al regista.

This must be the place è il titolo di una canzone dei Talking Heads e David Byrne è appunto uno dei personaggi incontrati durante il viaggio. Questa canzone e l’intera colonna sonora sono un altro dei punti di forza del film, semplicemente perfetta.

David Byrne This Must Be The Place Live Jools Holland 2004‬

I dialoghi sono davvero splendidi, pervasi di un sarcasmo pungente. Si capisce che sono stati studiati nei dettagli e sono l’indice della profondità e dello spessore del film.

E poi c’è la meravigliosa fotografia e dei movimenti di camera che valorizzano lo spazio: particolarmente interessante il contrasto tra gli spazi ristretti dell’Irlanda, dove tutto è a misura d’uomo e invece le enormi spianate degli Stati Uniti, dove è la natura a fare da padrona e poi i primi e i primissimi piani, che colgono i sentimenti, gli umori, le imperfezioni umane.

Ma alla fine non è nè la regia, nè la sceneggiatura, nè la fotografia, è la Poesia che rende questo film indimenticabile, da vedere e rivedere per gustarlo pienamente.

Oscar all’orizzonte? Non saprei, ma di sicuro sarebbero più che meritati.

Steve il sognatore: “Steve credeva in un sogno, in cui il consiglio di amministrazione di Apple non sempre ha creduto…”, mah che lavorasse per un sogno ne dubito,  che testimoniasse come l’interesse per il profitto possa coincidere con la realizzazione personale e professionale questo sì.

“Ha cambiato i destini del mondo, perchè anche chi stava sotto dittatura è riuscito ad uscire dall’isolamento grazie ai dispositivi inventati da Steve” Oddio che in Iran, Palestina e Africa settentrionale fossero tutti lì col Mac, l’iPad e l’iPhone ho qualche dubbio e poi diciamocelo non mi pare proprio che Jobs fosse un celebratore della democrazia. Piuttosto l’ideologia della semplicità, del design funzionale, della “leggerezza” del “think different” è in fondo una filosofia di nicchia, per pochi eletti.

Attenzione lungi da me demolire il mito di Jobs. Per capirci io giro con la mela della Apple sulla Clio, scrivo questo post con un Mac e non mi vergogno di dire che l’iPhone mi ha cambiato la vita, però tra Social Networks (primi 10 hashtags del giorno, nonchè infinita sequenza di post di idolatria dell’uomo o del marchio?) e Televisione sembra che sia morto Padre Pio.

Che Jobs abbia contribuito alla rivoluzione antropologica che coinvolge le giovani generazioni e nel contempo abbia avvicinato gli analfabeti informatici alla tecnologia (mia madre a sessant’anni ha scoperto la navigazione in mobilità attraverso l’iPhone e mio padre da quando ha un MacBook non mi chiama più ogni sera perchè ha problemi con l’Antivirus) non vi è alcun dubbio e che abbia anche favorito, attraverso la filosofia della semplicità, alcuni processi di democratizzazione tecnologica ok, però penso che alla fin fine stiamo parlando di uno degli imprenditori più lungimiranti e geniali del nostro secolo, più che di un premio Nobel per la pace.

Ecco secondo me è questo che dovremmo ricordare ed è qualcosa che acquista un particolare valore nell’attuale situazione politico-economica del nostro paese. Il coraggio di rischiare, la perseveranza, il guardare oltre, la visione, il non accontentarsi, la voglia di farcela partendo da un garage, insomma se Jobs dev’essere un modello, credo che debba esserlo per i nostri imprenditori, ma lasciamo stare l’icona da santificare.

Per questo, per quanto romanzato, credo che I Pirati della Sylicon Valley sia un film che affronta il fenomeno Jobs in modo piuttosto interessante. Per  chi non lo avesse visto, c’è tutto quello che bisogna sapere del personaggio: i passaggi fondamentali della scalata al successo, il mitico garage, lo spot di Ridely Scott ispirato a 1984, quel disadattato di Bill Gates, c’è l’eleogio della follia in chiave aristocratica, ma apparentemente umile, c’è il personaggio scaltro e grottesco e anche un po’ truffaldino, c’è l’uomo capace di parlare ai giovani di tutto il mondo, ma incapace di prendersi la responsabilità di essere padre. Insomma, seppure romanzata, c’è la storia dell’uomo, certo un uomo fuori dagli schemi, un uomo che thinks different, ma pur sempre un uomo.

Wall-E è un Mac

Lo Spot Apple firmato da Ridley Scott e ispirato a 1984

Il film è davvero apprezzabile per almeno due aspetti: l’atmosfera innanzitutto, la Theran di sottofondo, la dimensione fiabesca, la delicatezza, la fotografia, i colori, la natura, l’originale accostamento tra fotografia e illustrazione e gli inserti di vero e proprio cinema d’animazione. I personaggi in secondo luogo, tragicomici, grotteschi e imperfetti. Bella in particolare l’idea di raccontare con dei flashforward le vite dei figli del musicista! E infatti qui ritroviamo la cinica interpretazione di Chiara Mastroianni e una frecciata cattivella, ma che ci sta, al modello di vita americano. E poi il bel cammeo di Isabella Rossellini nel ruolo della madre deus ex machina.

Per il resto, la storia è semplice (del resto è una fiaba) e anche il tipo di ironia, anzi se vogliamo la pecca del film è la presenza di alcune stonature dovute a sarcasmo o melodramma esagerati, un po’ sgraziati: per certi versi sembra un cinema acerbo, anche se poi ci sono alcune trovate davvero sagaci (la disdetta di non poter morire, perchè qualcuno continua a pregare per te anche se nessuno glielo ha chiesto per esempio!)

Sempre bello il film in lingua originale, specie se in francese. Penso non tarderà ad arrivare nelle sale, visto che Marjane Satrapi è già conosciuta e amata. Al festival non ha avuto grande risonanza, anche se in sala è stato applaudito. Non è un tipo di film che poteva essere in lizza per i premi, ma è assolutamente godibile per una serata di non particolare impegno.

Avendo uno sfigatissimo biglietto acquistato on line riesco a sedermi in un ottimo posto, entrando una quindicina di minuti prima degli ultimi accreditati, che erano talmente tanti che il film è dovuto iniziare con un leggero ritardo (simbolica la foto di quanti in sala si siano messi a leggere il giornale). Girando per la Mostra poi era impossibile non notare che chi non aveva al collo un cordoncino con un accredito Press, industry, associazione culturale, bocciofile e così via era assolutamente una minoranza!

Piccola parentesi su  un argomento che mi sta particolarmente a cuore: la comunicazione!
Mi immedesimo nel turista: arrivo in stazione a Venezia e non trovo nessuna indicazione che mi conduca verso la Mostra… vedo una lunga coda, deduco che dovrò andare di là. Del resto al residente dotato di carta venezia (Imob come si dice adesso) non va certo meglio: l’unica macchina automatica per ricaricare la carta è rotta! Non resta che mettersi in coda insieme a tutti gli altri…
ma torniamo al povero turista che, giunto finalmente al Lido, la prima cosa che vede è un leone, simbolo di Venezia, ma soprattutto logo della Mostra: sono nel posto giusto! E ora? Dove dovrò andare? Nessuna segnaletica, seguo il flusso della gente…

Ma c’è anche il turista tecnologico, quello un passo avanti agli altri, che gattamente ha scaricato la APP per il suo smartphone, certo ci ha messo un bel po’ a trovarla, perchè nell’i Tunes Store se cerchi Mostra del Cinema di Venezia o simili non la trovi! Devi cercarla col suo nome: iMiBAC, ovvio no?! La App di per sè sarebbe anche bella, molti contenuti, interessanti anche, peccato che si blocchi in continuazione e ti costringa a chiuderla e a ricominciare da capo. Chiaramente il contenuto che si blocca con maggior facilità è il programma! Ottimo direi

Nonostante tutto, inizia la proiezione, ma ancora non vi racconterò del film, perchè prima del film c’è il promo della Mostra! Purtroppo non riesco a trovarlo su You Tube, perchè davvero davvero merita. E’ talmente brutto da essere imbarazzante!

Ecco, mi dispiace parlar male della Mostra, perchè in realtà la amo, come espressione d’arte e momento di valorizzazione di un patrimonio culturale glorioso come quello cinematografico e sono anche tra i sostenitori della tradizione del Lido e contraria ad accentrare a Roma qualsiasi iniziativa legata al cinema: la Mostra è di Venezia e la magia che può offire Venezia a questa manifestazione è unica al mondo. Però un po’ mi incazzo, perchè la Mostra come è attualmente organizzata, a mio modesto parere, spreca un’enorme risorsa e chi ama davvero il Cinema non può ignorarlo.

Concludo con la ciliegina sulla torta, perchè se fin qui era solo contorno (si fa per dire), ben più rilevante mi sembra il fatto che i sottotitoli in lingua inglese siano assolutamente impossibili da leggere, troppo bassi, praticamente per terra! Cioè di fatto qualsiasi turista o straniero deve rassegnarsi a guardare le immagini e farsi bastare l’aura di fascino che solo la Mostra di Venezia può offrie: come i nostri vicini del resto, due simpatici giovani, talmente estasiati dal romanticismo della Mostra, che sono riusciti a baciarsi senza riprendere fiato praticamente per tutta la durata del film, arrivando vicini al guinnes. Certo loro se ne sono fregati alla grande dei sottotitoli e di tutte le polemiche!

P.S. Prometto che nel prossimo post parlo del film che ho visto!

Racconta la storia di Barry (Adam Sandler), personaggio inquieto, timido, ingenuo, fifone, incasinato e che quando dà in escandescenza spacca tutto, ma è buono come il pane. Esasperato da ben 7 sorelle che gli stanno addosso fin da quando era ragazzino, Barry ha una piccola attività in proprio, vende stura lavandini  e acquista compulsivamente confezioni di budini per raccogliere punti da trasformare in miglia per un viaggio che non ha mai programmato. Colto da un momento di sconforto chiama una linea erotica, precipitando in un vortice di complicazioni assurde, finchè nella sua vita un giorno arriva l’amore, quello vero, di una una ragazza (Emily Watson) dolce, sincera e forse non completamente dritta neanche lei!

L’amore confonde e storidsce la mente di Barry già complessa e anomala, ma è l’unico in grado di cambiare il corso di una vita insoddisfacente, di fargli trovare dentro di sè incredibili e inaspettate energie…

Il mio consiglio è immergersi nel film senza farsi troppe domande, lasciandosi trascinare dal corso degli anomali eventi a dalla videocamera visionaria di un regista fuori dal comune per risvegliarsi alla fine della favola più grottesca e al tempo romantica che si possa immaginare.

Premio per la Miglior Regia al Festival di Cannes 2002. Spicca anche la bella e sussurrata colonna sonora. Un assaggio…

Se infatti siamo sempre più affascinati dalle animazioni 3D, Chomet non solo ci riporta alle due dimensioni, ma lo fa in uno stile a matita e pastelli, che odora di sacchetti di lavanda e inebria di malinconia.

Il film racconta la storia di Tatischeff (cognome anagrafico di Tati), forse con un’impronta autobiografica. Tatischeff è un’illusionista francese, che nella seconda metà degli anni ’50 viene poco a poco superato da nuove attrazione spettacolari, in particolare il rock&roll. Inizia così un viaggio alla ricerca di un luogo in cui la magia possa ancora essere accolta, durante il quale incontra Alice, una ragazzina che crede alle sue magie e ne rimane affascinata al punto da seguirlo nel suo viaggio.

Ma le cose non migliorano, le performance dell’illusionista sono sempre meno richieste e non volendo deludere Alice, preferisce nasconderle la verità, facendola rimanere nell’illusione, ma presto la piccola Alice crescerà…

Se Appuntamento a Belville era un film esplosivo e ricco di energia, L’illusionista è un film di poetica maliconia, quella malinconia che accompagna ogni cambiamento e il tramonto di un’epoca.

In comune hanno i pittoreschi personaggi, le figure secondarie e i particolari che popolano i campi lunghi di molte scene.
Bella e delicata la musica nostalgica; il sonoro comunica più del parlato: i personaggi borbottano una non-lingua, parole inglesi e francesi miste a suoni senza significato, enfatizzando la difficoltà di comunicazione tra i due.

Nel panorama dei colossi americani, un regista di cinema d’animazione tutto europeo, che sa emozionare il proprio pubblico, senza bisogno di effetti speciali. Un film da gustare come un macaron, un pezzetto di Francia che non ho mancato di portare a casa…